Ausstellung in Zagreb
Malerei der Nostalgie und der Freude
Eine Rezension von Prof. Nevenka Nekic
Die Malerin und Architektin (was ihr eigentlicher Beruf ist) Lidija Jahr-Weis (1955) lebt seit dem fernen Jahr 1969 in Deutschland, wohin sie als Fünfzehnjährige kam. Ihre berufliche Berufung war zunächst mit dem technischen Zeichnen verbunden, doch etwas später erwachte in ihr ein wahrer Eros für den bildnerischen Ausdruck im künstlerischen Sinn. Gleichzeitig formte sich ihre pluralistische Identität (eine Kroatin, die in Deutschland lebt), die sich im bildnerischen Bereich durch thematische Zyklen ausdrückt, in denen sowohl Szenen aus deutschen Lebensräumen als auch jene aus Kroatien ihren Platz finden, wohin sie jedes Jahr zurückkehrt.
So erscheinen neben Darstellungen wunderbarer Wälder, Stadtansichten und Flusslandschaften des Nordens auch Motive der adriatischen Atmosphäre sowie des kroatischen Binnenlandes, wo im Laufe der Zeit ein Haus entstand, in dem die Künstlerin immer häufiger verweilt. Neben Landschaften und Porträts malt sie auch Alltagsszenen, unbewusst der Idee folgend, dass jeder Augenblick – so banal er auch erscheinen mag – bildnerisch darstellbar ist. Diese genrehafte Malerei beschäftigt sich häufig mit dem Mikrokosmos, in dem sich die Poetik der Sehnsucht nach der alten Heimat widerspiegelt.
Innerhalb dieser zwei grundlegenden Themenkreise finden wir narrative, figurative Bildnotizen, erzählt mit dem Pinsel in Aquarell, laviertem Tuscheauftrag, Pastell, Acryl oder Öl auf Leinwand. Die leidenschaftliche Hinwendung zur Mimesis beschränkte zu Beginn ihres künstlerischen Ausdrucks die Fantasie und den tiefen Widerhall ihres neugierigen Geistes, der alles Gesehene in eine eigene polyphone Harmonie zu verwandeln suchte. Dies zeigt sich im minutiösen Ausarbeiten der Details, im Streben nach absoluter Figuration, die von Beginn an märchenhafte Anklänge trägt (Bäume im Wald). In interpretativer Hinsicht folgen nicht nur die Figuration, sondern auch der Kolorismus der Erscheinung, manchmal in klangvollen und wehmütigen Tönen, belastet von der Szenerie der Jahreszeiten. Die Bilder reihen sich aneinander und werden im Laufe der Zeit zu Fresken – nicht nur der Natur, sondern zunehmend auch des Geistigen.
Diese künstlerische Schaffensphase entwickelte sich besonders während ihres Aufenthalts in Kroatien (Prkos bei Ivanić Grad), als jene zarten, bedeutungsvollen, bildlich durchscheinenden Mohnblumen entstanden, mit dem Hauch des Aquarells gemalt, verwandelt in einen märchenhaften, mythischen Wald aus einem Wunderland. Sie wurden zu einem tänzerischen Topos, zu dem die Malerin immer wieder in verschiedensten thematischen Bearbeitungen zurückkehrt – in bester Übereinstimmung von Thema und Technik. Mit diesen Mohnblumen entwickelte sich instinktiv der Gedanke, dass Genauigkeit nicht Wahrheit ist, nicht die einzige Wahrheit (Fauvisten); zugunsten der Heiterkeit und Harmonie beobachtet sie die Mimesis selektiv und kehrt oft zu den Funken des Samens aus dem Brunnen der Jugend zurück.
Ohne rational der Geschichte der kroatischen Malerei nachzuspüren, berührte sie intuitiv die schönsten Szenen von Slava Raškaj (etwa Slavas Baum im Schnee), indem sie die Technik der Wasserfarben mit besonderer sanfter Melancholie beherrscht. Diese Reminiszenzen werden kaum je zu Panoramen oder weiten Veduten; sie bleiben meist intime Detailnotizen, die sich durch die Phantasie ins Lyrisch-Träumerische steigern lassen. Kompositorisch trägt diese Malerei traditionelle rationale lineare Projektionen (Landschaft in der Ferne), ebenso wie schnittartige Aussparungen außerhalb des Ganzen, die zu neuen kleinen authentischen Wahrheiten werden, festgehalten im einsamen Auge der Malerin und syntaktisch reduziert auf eine fast unbedeutende fragmentierte Wirklichkeit (Alte Holzscheune).
Der poetische Realismus prägt die Handschrift von Lidija Jahr-Weis, indem er gelegentlich die mimetische Schichtung bis zum Hyperrealismus steigert, aber auch die Unmittelbarkeit des Beobachteten verlässt und ins Phantastische übergeht. Dann entstehen die besten bildnerischen Segmente – befreite Gesten, Leichtigkeit und das Zittern von Kraftlinien, die die Landschaft oder das Stillleben vibrierend durchdringen.
Die Porträtmalerei von L. J. W. hält das Gesehene bis ins Detail fest, nur selten zusammenfassend oder abstrahierend. Ihre Besonderheit liegt in der Beobachtung und im Eindringen in die Psyche der dargestellten Person (Meine Großmutter Julijana), in der Verwandlung der Wirklichkeit in ein malerisches Motiv. Da sich die Porträts meist auf den Familienkreis beziehen, sind in ihnen auch Erinnerungen an persönliche Erfahrungen mit diesen Menschen festgehalten. Es sind lyrische Konnotationen, die sich mitunter durch den Kolorismus zu dynamisierten Farbflächen in fauvistischer Manier steigern (Mutter). Dieses Schaffen erhebt jedoch keine öffentlichen Ansprüche und gehört keinen Modetrends an, denn es ist zutiefst persönlich und Ausdruck eines intimistischen malerischen Gefüges. Die Figuren sitzen im Raum, der mit Gegenständen und Geräuschen erfüllt ist – und nichts davon entgeht dem malerischen Blick. Die ausgewählten Figuren sind vor allem Vorfahren, die empathisch mit dem persönlichen Schicksal der Künstlerin verbunden sind.
Unter dem Einfluss der chinesischen Malerei entstand ein Zyklus in der Technik der lavierten Tusche. Diese Miniaturformen tragen eine eigene Traumhaftigkeit in sich, ein Kontrastspiel von Dunkelheit und Licht, die Entdeckung der Schönheit auf einem unbedeutenden Pfad oder in einem Wäldchen. Auf diesen kleinen Flächen artikuliert sie eine erträumte oder bildlich neu gestaltete Arkadie, eine stille Gärtner-Einsamkeit des zurückgelassenen Pflanzenreichs, womit sie Himmel und Erde verbindet und sich der Göttin Flora widmet. Dasselbe verwirklicht sie im Leben: Ihr realer Garten in Prkos ist wie ein Paradies, eine idealistische Konzeption des Möglichen – Kiefern, Zypressen, Pappeln, Iris, Magnolien, Rosen, Anemonen, Anthurien, Begonien … wie ein Horn der Fülle. Ein Labyrinth der Schönheit, gepflanzt in einer abstrakten Unordnung, die doch Ordnung ist. Darin sind Rosensträucher in den verschiedensten Farben wie Schläge musikalischer Akkorde – die Eigenart eines Menschen, der kein Mensch der Masse ist.
Der persönliche künstlerische Instinkt führte die Architektin Lidija J. W. auf die Wege des Bildnerischen: des Allegorischen, Expressiven und zugleich Figürlichen und Narrativen. Ihre Wanderungen von Nürnberg und weiter bis zur Nordsee und zurück bis Rovinj hat sie auf ihrem bildnerischen Weg festgehalten, indem sie Menschen und Landschaften mit Blick und Geist entdeckte – in eigenständiger Klarheit und Kraft, mit vitalem Kolorismus.
Vielleicht hatte Charles Baudelaire recht:
„Der Künstler ist niemandem verantwortlich als sich selbst. Den kommenden Jahrhunderten vermacht er nur seine eigenen Werke und steht nur für sich selbst ein. Er stirbt kinderlos …“
Wenn er jedoch in seinen Werken AGATHOS (Güte und Tugend) hinterlässt, dann ist diese aufgewühlte Fuge aus Lidijas Leben in ein ästhetisches Gewand gekleidet und hat sublimiert das Beste, was sie geben konnte.